¡13 Años de BAR Producciones! Entrevista a Bertha Avila
En esta ocasión le realizamos la entrevista a Bertha Ávila Ramírez, CEO y fundadora de BAR Producciones, que cuenta con mas de 35 años de experiencia en el medio de la renta de equipo profesional para filmación de cine y televisión, nos platico sobre sus orígenes, los de BAR y que es lo que quiere para la empresa en un futuro. ¿Cuándo empezaste en la renta de equipo de filmación? En la renta de equipo empecé en 1985. Del 1990 al 2008 estuve en una casa de renta de equipo trabajando (Hermanos Pardo), fue hasta 2008 cuando me salí. “Yo quería atender a los clientes, platicar con ellos” Los clientes todavía me buscaban, inclusive había un lema en el medio que decía: “Tienes problemas llamale a Bertha”, sólo que yo ya no estaba rentando equipo así que sufría por no poder ayudar a mis clientes, fue así como me volví a introducir en la renta de equipo, y 13 años después aquí seguimos creciendo” José encargado de bodega de tramoya, colaborador de BAR desde sus inicios ademas de tener un amistad con Berta desde Hermanos Pardo. ¿Alguna vez encontraste retos por ser mujer? En el medio había muy pocas mujeres, cuando recién llegué a la primer productora fue muy difícil, yo lo que quería era aprender para después poder rentar el equipo, pero los hombres me querían dar la vuelta. Recuerdo cuando llegué por primera vez a una bodega de equipo, era una bodega enorme llena de tramoya e iluminación, mi jefe en ese entonces me dijo, ¿quieres aprender?, ve a la bodega para que aprendas, entonces fui y el encargado de bodega me dijo: “No, tú no puedes pasar, nos vas a echar la maldición. Este es trabajo para hombres, y me azotó la puerta. Lo mismo pasó el segundo día, para el tercero dije ya: para bromita ya estuvo bueno” Le dije, no te pido que me enseñes, sólo que me dejes pasar, y así fue, ya una vez dentro como pude aprendí, porque si quieres hacer un presupuesto tienes que saber que es lo que rentas. Al final de cuentas el chiste de esto es no rendirte, demostrarte a ti misma que puedes porque no le tienes que demostrar nada a nadie más, así es como lograrás que ya nadie más te vea la cara en este medio. Violeta Plata asesora de renta en BAR Producciones, gran colaboradora y amiga de Bertha. ¿Qué porcentaje de los clientes de BAR son o eran estudiantes de cine? y ¿Qué le recomendarías a los estudiantes que van empezando en el medio? Desde siempre nos ha gustado mucho apoyar a los estudiantes, porque en ellos vemos al cliente futuro, son chicos que empezaron desde abajo y hoy en día ya tienen sus empresas, siendo siempre muy activos, creativos y sobre todo leales, “luego nos acordamos de cómo es que yo les rentaba el equipo por 3 pesos, todavía hoy llegan a sus 50/60 años bromeando que si todavía les doy descuento de estudiante” A los estudiantes, en cuestión de los cortos, yo les diría que se acerquen, siempre hay opciones, tal vez no se les pueda ofrecer todo lo que piden o exactamente lo que tenían en mente pero siempre hay opciones. Lo importante es que lo intenten y nunca dejen de luchar por sus sueños Dani y el Chino Tellez, staff y asistentes que han colaborado con BAR desde sus inicios. ¿Cuál dirías que es el sello único de BAR, ese que lo diferencia con el resto? Una de las cosas que más nos diferencia con las otras es que “nosotros atendemos las 24 horas el día, que nos marquen a la hora que nos marquen te atenderemos y eso no lo tiene ningún otra” Otro de los sellos que nos diferencian mucho con los demás, sobre todo con los grandes, es el personal, yo siempre le digo a los muchachos que apoyen en lo que puedan, es como estar en una escuela gratis, más bien agradezcan que les estén dando la oportunidad aprender algo nuevo, si por ejemplo, “ si ya acabaron de montar las luces vayan y le pregunten a cámara en que los puede ayudar, además de que quedarán muy bien, aprenderán algo nuevo o tendrán la oportunidad de practicar algo que no todos los días pueden hacer, todo esto es aprendizaje y como te dije es como estar en la escuela sin pagar” Estefanía Carpio, hija de Bertha, reconocida DP Mexicana, en sus inicios en BAR Producciones Otro de los aspectos que creo son importantes a destacar es que somos muy accesibles, ya que nosotros sabemos lo que es ser un productor y que muchas veces el director de fotografía te da una lista de equipo para que lo consigas, así que los productores nos preguntan ¿qué les podemos recomendar nosotros?, porque a veces ellos no saben muy bien qué es lo que están rentando, eso es algo que no todas las casas de renta te ofrecen. Además de esto existe una gran confianza, muchas veces le decimos a nuestros clientes directamente que ellos recojan y dejen el equipo como si fuera un autoservicio, que de hecho está en mis planes a futuro que así funcione en BAR, así lo hacen las grandes casas de renta en Estados Unidos y Europa. Ahí te dan un código para que vayas directamente a recoger y entregar tu equipo, ese tipo de confianza queremos con los clientes, que ellos se sientan cómodos con nosotros es muy importante. Sebastián Carpio hijo de Bertha en sus inicios como becario de BAR, actualmente se desempeña como AD en las producciones de BAR y a su lado Alan Bravo, igual de becario, quien hoy en día administra esta página web. ¿En donde ves a BAR dentro de 10 años? Muy buena pregunta. Creo que no me gustaría que BAR se transformará en una de esas grandes empresas, me gustaría
Entrevista a Camila Ibarra, Directora y guionista de «EL Club» de NETFLIX
Camila Ibarra es una Directora, actriz y escritora Méxicana, conocida por The Club (2019) de NETFLIX en colaboración con Argos, Capadocia (2008) y Érase Una Vez (2017). En esta ocasión le realizamos una entrevista acerca de su mas reciente proyecto con NETFLIX, El Club, cuales son los retos que enfrento y de donde salió la idea de la serie. ¿Cómo fue tu transición de la actuación a empezar a dirigir? Y ¿Qué retos encontraste en el camino? «Mis posibilidades como actriz , incluso habiendo estado desde muy pequeña en el set, eran muy pequeñas para mí, siempre me gustó ver mucho más a los demás actores actuar, que yo actuar, a pesar de que si era uno de mis grandes sueños en mi vida, cuando tuve la posibilidad de escribir un personaje para mí, lo hice. En ese momento yo estaba lidiando con problemas de depresión, y dirigí un cortometraje, ahí es cuando conocí a Estefanía Carpio , quien fue de las primeras fotógrafas con las que trabajé y me motivó mucho a animarme a dirigir, porque yo sentía que era una tarea demasiado grande e imposible, pero rodearme de otras personas que tuvieran la confianza en mí fue esencial, ahí empezó todo.» Háblanos del vínculo tan especial que formas con tus actores, sabemos que algunos son parte importante de tu equipo de producción y guionistas «Me gusta mucho trabajar con los actores, porque habiendo estudiado yo actuación, considero que los actores son compañeros creativos, muchas veces los tratamos como props en el set que van y hablan, entonces me gusta mucho que los actores den sus perspectivas y formen equipos. Las filmaciones suelen ser muy duras y siempre quieres un actor que esté de tu lado, que te entienda, una actriz que aporte, sobre todo en proyectos muy largos como fue El Club, donde a pesar de que lo escribimos y estábamos en el set, hay un momento donde los personajes le pertenecen y es entender que ahí no tienes control sobre el personaje y los que pueden tomar las mejores decisiones son los actores.» Háblanos sobre los guionistas, queremos saber la historia detrás del guión de El Club ¿Cómo surgió la idea? Y ¿Cuánto cambió la idea desde la concepción de la misma hasta la producción? «Cambio muchísimo, la idea que teníamos de El club hacia el final era completamente distinta a la original, la manera en que la escribimos fue muy divertido, éramos un room, en su mayoría de mujeres, junto con Jorge Caballero de guionista y Obvidio de León en el desarrollo, y hubo un punto en el que éramos puras mujeres junto con un hombre hablando sobre esta serie donde el protagonista era hombre. Esto era a propósito, ya que lo que buscábamos era tener un punto de vista muy femenino sobre el tema, aún así cambió mucho, yo dirigiendo, leía el guión y decía, ¿Quién escribió esto?, luego leía mi nombre y pensaba ni modo, lo tenemos que hacer, tienes que ser muy flexible con las circunstancias, nunca sabes que va a pasar; si te llueve, si se cae algo, entonces cambia mucho y ahí es también cuando yo confío mucho en los actores, para que te den sus perspectivas de la historia. La premisa era, ¿Cuál es la relación más íntima que queda y que no ha solucionado aún el internet?, La relación con tu dealer, pero si hay un tipo de identidad que no puedes dejar pasar, queríamos contar la historia desde el punto de vista de Pablo, un personaje súper masculino, ultra privilegiado, del 1% privilegiado de México, que él descubriera que era lo que le faltaba a sus amigos, también lo que significa volverte un hombre en México y es por eso que escogimos el MDMA, por lo que representa esta droga, que está ligada al éxtasis, al amor y la felicidad, quisimos explorar estos contrastes con la personalidad de Pablo, al final el guión cambió mucho pero es importante aprender a desapegarse y confiar en que la historia pegue, habrá veces en que no tengas idea si esto que estás haciendo queda o va a tener sentido, pero tienes que confiar mucho en toda la gente que tienes alrededor, que han leído el material, que lo han trabajado, a mí me gusta mucho trabajar con escritoras en set, en general todo este proyecto fue un proceso muy divertido, una experiencia creativa, muy enriquecedora con gente que disfruta trabajar en equipo porque la televisión al final del día es un deporte en equipo en todos los niveles» El club es una serie mexicana de drama criminal dirigida por Camila Ibarra y producida por Argos Comunicación para Netflix Nos podrías platicar un poco sobre ¿Cuál es el proceso de colaborar con una cadena tan grande como lo es NETFLIX? «Supongo que cada quien tiene sus experiencias sobre cómo es trabajar con NETFLIX, pero es un proceso de mucha humildad porque tienes que reconocer que ellos tienen datos que tú nunca vas a tener y que saben perfectamente de lo que te están hablando, así que ni modo, hay cosas por las que vale pelearse y otras cosas por las que no, yo por ejemplo estaba necia con querer hacer un capítulo en El Club que fuese un musical, hasta que ellos me dijeron que no, que no tiene sentido esto que estaba haciendo, y supe reconocer que tenían razón, también es atemorizante saber que millones de ojos van a ver tu trabajo, se siente mucho más la presión, pero cada vez que me frustraba ponía el sonido de intro de NETFLIX y pensaba, así va a sonar cuando inicie la serie, eso me motivaba muchísimo a seguir» ¿Cómo Directora cuáles son los retos más grandes que tienes que enfrentar durante el rodaje? «El tiempo, tuvimos poco tiempo, había días de muchas escenas, y de una duración larga, yo como guionista escribo escenas muy largas, enfrentarse a eso junto con el hecho de que varias de esas escenas eran de noche
Entrevista Julio Llorente y su reciente proyecto con Netflix «Desenfrenadas»
Desenfrenadas sigue la historia de tres jóvenes amigas de la Ciudad de México que emprenden un viaje de fin de semana hacia Oaxaca, donde conocen a una cuarta chica local que las obliga a cambiar de rumbo, literal y figurativamente. En esta ocasión les traemos un entrevista realizada a Julio Llorente, fotógrafo Español que actualmente reside en México y que cuenta con múltiples proyectos reconocidos en toda Latino América, pero hoy nos centraremos en uno en específico, se trata de “Desenfrenadas” serie producida por Netflix y filmada en México. Antes que nada cuéntanos ¿cómo fue tu llegada a México?, y háblanos de tu trayectoria antes de llegar a nuestro país. “Yo llegué a México a principios del 2015, venía del momento de crisis más fuerte en España en el 2010, poco a poco empezar a tener menos trabajo, aguante lo que pude y fue en el 2014 cuando vine por una película llamada “Eco” a México, específicamente a Tulum y me encantó, me regresé y acabando el año decidí venirme a vivir, primero probé 4 meses para ver que tal me iba, y ya van 6 años”. ¿Cómo llegó a ti este proyecto, y que fue lo primero que te vino a la mente al leer el guión por primera vez? “Primero me hablaron de la casa productora y me presentaron unas visuales de la serie y a Diego Martínez quien es el creador y director. Me pidieron a mi y a otros 4 o 5 fotógrafos que hiciéramos una presentación de la serie para poder mostrar cómo nos imaginábamos la fotografía, realicé un texto, un moodboard y un par de imágenes para dar mi visión. A partir de ahí viene otro filtro donde solo nos quedamos 3 fotógrafos, compañeros que conozco además, y al final me quedé en Desenfrenadas. La primera vez que leí el guión, me pareció increíble que se hiciera algo así en México, era algo único hacer algo tan feminista, y con una inteción tan fresca y tan guerrillera, eso fue lo que mas me atrapó”. La producción de Desenfrenadas corrió a cargo de CAPONETO. El rodaje de la serie inició el 15 de abril de 2019 y terminó el 22 de junio de 2019, con locaciones en la Ciudad de México y los estados de México y Oaxaca. ¿Cuál fue el reto más grande al que te enfrentaste en términos de iluminación? “El reto más grande que tuvimos fue trabajar al 90% con luz natural, el chiste fue tener una gran conexión con Alfredo quien era el diseñador de producción para aprovechar al máximo cada uno de nuestros espacios, que nuestros espacios trabajaran en paleta, eran lugares a los que llegábamos y ya estaban en paleta de manera natural, y también ese era el gran conflicto lograr filmar en exterior con todas las ponderantes que esto conlleva, sale el sol, se nubla y mantener la continuidad era algo complicado, pero a su vez para mi fue lo más bonito, aprender a grabar en estas condiciones.” Háblanos de la decisión de grabarla con RED GEMINI, ¿Cómo fue tu experiencia con el desempeño de la cámara? “Mira en ese momento cuando estábamos en pre-producción en el 2019, las únicas cámaras que tenían en Netflix approve eran RED y Sony, entonces elegí RED ya que había filmado algunas cosas ya con RED. Si bien hubiese preferido filmar con una Arri Alexa, ya que la conozco más, Netflix no nos dejaba utilizarla debido a que no cuenta con un 4K nativo, a diferencia de la RED Gemini, que justo acaba de salir al mercado, y me pareció super puntera. Primero porque es super 35 y no full frame por lo que me daba una amplia gama de lentes, era 5K y no 8K por lo que no se me hacia tan exagerado, también cuenta con un doble sensor nativo muy interesante que funciona para bajas luces que te deja subir hasta 3200 sin generar nada de ruido. Es super pequeña y ligera, y para ser RED no se calento nada, nosotros filmamos en regiones muy calientes como Oaxaca y hasta íbamos preparados con unos enfriadores, pero jamás fue necesario utilizarlos” Los 10 episodios de la primera temporada fueron publicados por Netflix el 28 de febrero de 2020 a nivel mundial, con un alcance de más de 190 países. Cuéntanos, ¿Cómo es tu relación con el Director Diego Martínez? “Cuando empezó, ninguna, nos conocimos por este proyecto, yo no había filmado con el ni el conmigo, pero conocía perfectamente a CAPONETO, su casa productora, y desde que nos conocimos nos hicimos muy amigos. A mi Diego me parece una persona maravillosa y muy sensible, trabajamos muchas referencias juntos, hicimos una biblia de secuencia por secuencia, con dibujos, planos, líneas, paletas de color, el es muy clabado con el color, y creo que se nota que Desenfrenadas tiene una paleta muy única, y eso es de Diego totalmente”. ¿Cómo fue la selección de la óptica que utilizaste?, ¿Qué pruebas hiciste antes de escogerlos? “Desenfrenadas, es una serie muy de sus personajes, muy de personas, de todo el tiempo ver a estas chicas a cuadro y un medium shot casi permanente, por lo que mi primera opción fueron los Cooke, pero después de varios scoutings, y ver en donde íbamos a filmar, yo lo que quería era tener la mínima cantidad de luz posible, lo indispensable. Lo que buscaba era iluminar lo menos posible para poder movernos muy rápido, por lo que acabe escogiendo los Carl Zeiss High Speed que tienen una apertura de 1.3, que sumado al sensor de la RED Gemini que nos daba 3200 y lo ligera que son las lentes decidí irme con estas, además de que las conocía a la perfección por lo que no tenía que hacer pruebas.” Siguiendo con el tema de colaboración, cuéntanos de tu colaboración con tu Foquista Clara Civit, y la importancia de formar lazos fuertes con tu equipo de trabajo “Conozco a Clara desde el 2016, nos conocimos en
Entrevista a Alex Reynaud sobre su más reciente producción “Todo X Nada” con canal once
Alex Reynaud, Cinefotógrafo Mexicano con 10 años de experiencia en la industria audiovisual mexicana. Cuenta con largometrajes, documentales, comerciales y videos musicales que lo han llevado a tener reconocimiento de Kodak y Canon respectivamente. Ha trabajado para un gran número de productoras, agencias de publicidad, productorxs y directorxs. «TODO x NADA» es la historia de una familia común de clase media mexicana, cuya vida cotidiana transcurre dentro de una aparente normalidad hasta que un peligroso incidente revela la realidad de su silenciosa convivencia con las adicciones.Serie disponible en el perfil de youtube de Canal Once https://www.youtube.com/user/CanalOnceIPN En esta ocasión quisimos entrevistar para todos nuestros amigos de BAR Producciones al cineasta Alex Reynaud, para que nos contara sobre su más reciente proyecto, de que trata y cuáles fueron los retos que encontró a lo largo de la producción. -Primero que nada, platicanos un poco de la serie y ¿Por qué toca un tema tan delicado para la sociedad mexicana en la actualidad? “Pues mira, esta serie Todo x Nada que dirige Mafer Suarez y tuve el placer de fotografiar, es sobre un tema bastante sensible, de adicciones, descomposición social, violencia de género, y es un tema que desgraciadamente cada vez se hace más visible en nuestro país, creo que muchos otros problemas que tenemos en México relacionados al crimen y a la violencia, cada vez vemos más contenidos en el medio al respecto y no me parece descabellada la idea de empezar a ver mas estos temas por que es parte de nuestra realidad, y una manera de de sensibilizarnos y poder confrontar todo esto es poner nuestra parte como cineastas”. Desafortunadamente la realidad supera una vez más a la ficción y lo que ustedes podrán ver en la serie son las cosas como son, nosotros nada más queremos exponer lo real que es”. “Quisimos exponer de manera real cómo se vive la desaparición de una hija o de una hermana, las consecuencias que esta trae y como se puede complicar todo en una familia que sufre de adicciones, sabemos que es un tema bastante difícil de digerir, pero creemos que es necesario hablar con crudeza de estos temas”. -Cuéntanos un poco de ¿cómo llega a ti el proyecto de todo x nada y ¿qué fue lo primero que pensaste en cuestión de iluminación al leer el guión? “Bueno, yo ya había trabajado años antes con Mafer Suarez, me parece una de las mejores directoras de este país, es una directora con ideas muy concisas, me busco y me dio mucho gusto que me buscara porque es una persona con la que disfruto mucho trabajar y aprendo todo el tiempo, me mando los guiones un lunes y el martes los leí, fue tanto lo que me atrapó que yo seguí leyendo hasta acabar los 4 capítulos de corrido en unas 4 horas, al terminar de leerlos yo ya tenía en la cabeza como quería que se viera. Al principio pensaba una cosa pero en cuestiones de iluminación muchas veces no dependemos de uno mismo, y filmar en pandemia era aún más complicado, sin embargo tenía muy claro que quería tener escenas con un alto contraste, esto me ayudó a ir resolviendo todo”. -Tocas un temas muy importante que decho platicamos en el blog pasado en BAR, las producciones en tiempo de COVID, ¿Como te condiciono esto? “Claro, lo vimos con las locaciones , fue difícil porque por cuestiones de guión ocupamos un departamento muy específico y no todas las locaciones se prestaban para una filmación en esta época, encontraba retos reales en estas locaciones, tenía que ver cómo iba a iluminar además de no contar con la misma cantidad de staff con el que suelo manejarme o la cantidad de equipo que solicitó, hubo que pensar de manera estratégica”. “En una época pre-covid, tienes tiempo para planear, pero aquí teníamos que filmar en 3 semanas 200 páginas de guión”. “Además de esto la locación al ser pequeña no permitía tener al staff o tu asistente de cámara a la mano, únicamente entraban cuando era necesarios, siempre con cubrebocas y santizados, durante los breaks a comer nos sanitizan , tomaban la temperatura, teníamos paramédico y todo el tiempo nos preguntaban si teníamos algún malestar, afortunadamente no hubo ningún contagio y se logró resolver todo”. “Algo que nos ayudó fue que todo el tiempo grabamos a 2 camaras y esa fue una brillante idea por parte de Mafer, ya que los actores tenían muy ensayado todo, por lo que muchas veces se corría una escena de 6-7 páginas completa y estábamos yo y mi operadora de cámara B Renata Gutierrez, emplazado con cámara en mano todo el proyecto, se grababa el master y despues solo nos movíamos a unos 3-4 ángulos distintos , grabamos la escena otra vez y esto permitía al final tener unos 4 ángulos diferentes de cada escena”. -Quisiéramos saber tu experiencia usando los lentes Zeiss CP.3 durante el rodaje de todo x nada “Son lentes que tuve la oportunidad de conocer desde el lanzamiento, Alejandro Alcocer el Zeiss Representative en Latinoamérica es gran amigo mio y ya me había contado de estos lentes, y yo decidí que fueran estos lentes porque yo necesitaba que la serie se viera definido, no quería caer en el cliché de cómo es en un barrio en la ciudad quererlo ver vintage o crudo, yo quería verlo definido y que se vieran las expresiones de los protagonistas” “porque eso es lo que queríamos mostrar, “cómo es que estos problemas se ven reflejados en las caras de las personas, y para lograr esto la óptica de los Carl Zeiss CP.3 fue vital, me dio ese” look que yo esperaba”. “Trabajamos en diafragma 2.8, algunas veces abriamos más o compensamos con el iso de la cámara, hicimos pruebas antes por lo que sabía hasta donde me podía dar y que no iba a tener ruido, al final pude tener un look realista, creo que esta es la palabra”. -En BAR estamos orgullosos de que usaste
¿Cómo realizar una producción en tiempos de COVID? (consejos y medidas a seguir)
Entrevista a Alvaro Bravo Gonzales (Productor de La Vecindad) Como sabemos la pandemia de COVID ha afectado todos los sectores por igual, y el área de la producción audiovisual se vió igualmente afectada , ya sea desde un video clip, un comercial o una película, todo se vió afectado de una u otra manera por la pandemia y en esta ocasión quisimos traer a un productor con amplia experiencia en el medio para que nos diera su punto de vista sobre cómo la pandemia ha afectado al medio en México y que medidas se deben tomar para sacar las producciones adelante en esta época tan complicada. Primero que nada, ¿cuéntanos un poco de tu experiencia en el medio de la producción? “Llevo más de 30 años de experiencia en el medio, y me ha tocado estar en todos los puestos, desde staff, asistente, fotógrafo, director y más recientemente como productor, estuve 16 años en Tijuana, donde son producciones más pequeñas y llevo ya 10 años en la CDMX con La Vecindad, por lo que he podido conocer desde todos los ángulos como es que se lleva a cabo una producción” ¿Desde tu punto de vista qué tanto ha afectado la pandemia al medio de la producción audiovisual en México? “Mucho, sobre todo en un inicio, se acabó, en marzo del 2020 todo se paró, yo en ese momento tenía 3 producciones en puerta, ya muy avanzadas y de un día a otro se paró todo, y así como a mi, a muchísima gente le pasó igual, se cayeron comerciales, series, películas, se cayó todo.» Pasaban los meses y no había nada, mucha gente del medio que yo conozco tuvo que irse a trabajar en otras cosas ya que la mayoría de la gente que se dedica a la producción en México es freelance por lo que no tenían manera de mantenerse si no habían proyectos, en mi caso en particular pude mantenerme con un par de producciones pequeñas , que se tuvieron que llevar a cabo con el mayor de los cuidados, debido a la situación que vivía el país.” ¿Qué tanto ha cambiado realizar una producción desde que empezó la pandemia? “Pues, mira, si ha cambiado, yo recuerdo la primera producción que ya tuve, fue rarísima, encontrarte en un set rodeado de gente con cubrebocas y caretas, te cambia totalmente el ambiente de cómo se realiza una producción, quien conoce el medio sabe que es común estar en constante comunicación con el crew, y por las restricciones que hay es necesario manejarse de un manera diferente, definitivamente fue un reto y sigue siendo un reto poder sacar adelante producciones con esta nueva normalidad.” ¿Cuáles son los retos que tiene un productor que superar en una producción en tiempos de COVID? “El primer reto es que te den la producción, ya que clientes que estaban acostumbrados a sacar 15 producciones al año, en este 2020 sacaron 3 a lo mucho.Ahora una vez que ya tienes la producción , la planeación cambia totalmente, de entrada tienes que pensar que tu crew se verá bastante reducido , si antes contemplaban 12 personas para una producción, ahora lo tendrás que resolver con la mitad y entregar la misma calidad de trabajo” “Lo mismo pasa a la hora de contemplar el equipo , ya no puedes estar pidiendo los mismo de antes, sacarle el máximo provecho y ser muy preciso con el equipo que vayas a pedir, Se tiene que tener un manejo muy distinto de las producciones a lo que era antes”. ¿Cuáles consideras tú las medidas vitales que debe seguir una productora para realizar una filmación en esta época? “Las medidas fueron dictadas por la comisión fílmica en julio, pruebas COVID, número de personas, sanitización, tanto del equipo como del set, cubre bocas, gel antibacterial, que te estén tomando la temperatura todo el tiempo, si normalmente cotizamos el equipo, el crew y la comida, ahora todas estas medidas de protección tiene que ir si o si en tu presupuesto. “Pero si se puede, desde julio que he tenido la oportunidad de estar produciendo otra vez , me he dado cuenta que si es posible, es cuestión de tener los cuidados necesarios tanto uno como productor , como los proveedores que vayas a contratar, desde el catering, el transporte o la renta de equipo, revisar que cumplan con las normas”. “Es difícil acostumbrarse a la nueva normalidad pero en base a las producciones que hemos tenido vamos mejorando cada día” Por último, ¿Consejos que puedas brindar a la gente del medio para que sigan realizando sus producciones pero con los mejores cuidados? “Apegarse a las reglas, porque antes que nada está la salud, los productores tenemos esta manera de pensar de siempre querer ahorrar y sacarle el máximo provecho al presupuesto pero cuando se trata de la salud no tenemos que escatimar en nada, por eso hay que apegarse a las normas, al final de cuentas si se puede producir en tiempos de COVID, ya sea una producción pequeña o una grande en ambos casos se pueden encontrar soluciones para poder llevar a cabo de manera correcta las medidas de seguridad para poder hacer tu producción”. 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